米开朗琪罗曾从哥特式雕塑汲取滋养

日前,因巴黎圣母院大火事件,有关哥特式艺术再次被公众讨论。收藏周刊记者通过查阅相关著作得知,罗马式艺术之后,在西欧出现的教堂建筑被称为“哥特式”,这个词是16世纪的意大利人最先采用的,他们以对自己创造的文明无比的自豪感,用这个词来指称文艺复兴以前的艺术风格,认为那时的建筑粗野、不合时宜。虽然“哥特式”一词曾具有贬义含义,但随着时间推移,18世纪之后,它甚至一度被重新定义。米开朗琪罗作为一名画家。

著名美术史学者迟轲就曾言,哥特式建筑多方面地显示了工匠和民间艺术家的才智技巧。“哥特式”一词在西方的语言运用中主要指的是在公元12到15世纪普遍存在的艺术史上的一种表现风格。虽然这种艺术形式主要兴起于中世纪时期,但是“哥特式”作为对应于艺术风格词汇的使用却是晚近时期才出现的事,并且,作为艺术风格词汇使用的哥特式的概念在最初出现时其实是一个含有贬义的词语。南京艺术学院副教授丁亚雷在文中写道,“在历史上,哥特人的文化往往被认为是粗鄙的文化形式。而具有划时代意义的大师马萨乔、达芬奇、米开朗琪罗等人。

”资料显示,在当时,这种风格的特征被普遍认为“是一种令人压抑的比例和趣味的缺失,特别表现在其令人难解和感到荒诞的装饰、古怪的女像柱和诸如此类违反常规的东西上面”。16世纪著名美术史家瓦萨里曾在《名人传》中说,“由于优秀艺术家的相继凋谢和美好建筑的毁灭,好的建筑风格和方法也随之失传,结果造成那时的建筑缺乏秩序、优雅、比例。新的建筑师们创造了一种新的建筑风格,我们称它为‘哥特式’;在他们的眼中,哥特式建筑美妙无比,但在我们现代人看来,却是那么滑稽可笑。”瓦萨里对中世纪建筑的评述使得哥特式观念作为贬义的含义一直延续了数百年的时间。用来雕塑的这块大理石源自于著名的米开朗琪罗洞穴。

丁亚雷的文章指出,17世纪,由于瓦萨里著作的传播,对哥特式概念的负面认识蔓延到了意大利之外的欧洲其他地区,甚至已经完全超越出了雕塑和建筑等视觉艺术之外的其他文化语境中。进入18世纪之后,关于哥特式风格粗鄙低劣的说法出现了变化,一种寻求哥特式和谐的风气开始在英国的建筑观念中首先弥漫开来,并逐渐形成了“哥特式复兴”。英国建筑师巴蒂·朗利在1741年出版的著作中,明确地对哥特式艺术进行了前所未有的赞誉。他宣称,最宏伟、最华丽的哥特式建筑远远要比希腊人和罗马人建造的所有建筑优秀。就像米开朗琪罗的穹顶壁画那样。

作为那个时代一流的职业建筑师和建筑理论家,朗利大胆地指出,哥特式风格不仅值得人们去尊崇,而且它也产生了古典和现代的许多经典建筑。当时著名作家雨果在小说《巴黎圣母院》中也大致有这样的描写,对这座哥特式教堂典型之一的建筑和雕刻艺术,表示了热情的赞美。著名美术史学者迟轲在《西方美术史话》一书中介绍,哥特式的雕像中,除石刻以外,象牙雕刻、施彩的木雕和泥塑,都有很大的发展。藏品从乔托的壁画、米开朗琪罗的雕塑、达芬奇的油画。

有些形象是怪异夸张了的,带有讽刺或幻想的民间色彩。在写实性的作品中,虽然有时过于繁琐而流于自然主义,但整个说来,却以其浓厚的生活真实感,有别于理想化了的古典艺术的典雅风格,显露了恣肆泼辣的生命力。后世的雕塑大师,如文艺复兴时期的米开朗琪罗和19世纪的罗丹,都曾从哥特式雕塑艺术中汲取了十分有益的滋养,因为其中含有丰富的更为直接的民间传统。著名美术史学者贡布里希在《艺术的故事》里认为,哥特式艺术家想要理解古代传授下来的衣饰覆体的程式。驯鹿铜雕海洋雕像其雕刻者米开朗琪罗是意大利人。

他们重新掌握了久已失传的古代艺术手法,使躯体结构展现在衣饰褶皱之下。事实上,这位艺术家为他能掌握那种难学的技术而感到自豪。那时哥特式雕刻家感兴趣的已经不只是要表现什么,而且还有怎样表现的问题。正如希腊的觉醒时期一样,他们又一次开始观察自然,但与其说这是对自然的模仿,还不如说是从自然中学习怎样使形象显得更加真实可信。“公元前5世纪的希腊艺术家主要关心怎样构成躯体美丽的人像。而在哥特式艺术家看来,那些方法和诀窍都不过是一种手段,他要达到的目的是把故事叙述得更令人感动、更令人信服。并不比米开朗琪罗绘画中上帝的手指触及亚当手指力量小。

”因此,不难理解,在德国哥特式艺术的雕刻里,现实主义的精神的确有了更为成熟的发展,纳乌堡教堂中一对《捐助人》的雕像是很杰出的例子。无名的民间工匠在这一对早已逝去多年的教堂捐助者——艾凯哈特与乌塔夫妇的形象上,异常生动地塑造了好像是他自己亲见过的骑士和贵妇的典型。扶着长剑的艾凯哈特以尊贵的气度卫护着他身旁的乌塔;深红的斗篷、金色的冠冕和淡红的面颊,构成谐和而沉着的色彩。米开朗琪罗是诗人、建筑师、画家、雕塑家。

这两个人物似乎随时都可以从台架上走下来,加入到善男信女的行列中去。迟轲先生曾认为,乌塔的雕像尤其使人想起麦积山著名的雕塑《女供养人》。两件作品相距虽有一两百年,但在刻画的真实、艺术概括和装饰手法的统一上,同样达到了相当完美的境地。广州美术学院教授李行远在《西方美术史纲》一书里也认为,哥特式雕塑是教堂建筑不可分割的组成部分。从法国兰斯大教堂的西立面,可以看到雕塑在教堂外部装饰、解释教堂功能中的重要性。流水的轰鸣中有贝多芬的音乐交响、米开朗琪罗的传神雕塑和托尔斯泰描写战争与和平的画面。

李行远在书中认为,位于巴黎西南约90千米处的夏特尔主教堂是哥特式巅峰时期的代表作。它的雕刻集中在入口及侧堂,是在不同的时期由不同的艺匠制作的。教堂西正面被称之为“皇家入口”大门的门侧雕像,约作于公元12世纪,可以代表哥特式雕刻早期的风格。这些附着在细长圆柱上的雕像,其动态的表达具有某种程式,衣褶的刻画也是风格化的,但面部已不再是抽象符号的承载物,而是有了某种程度的人性温暖。而晚于不到一个世纪的南耳堂门侧四位圣徒的雕像,与其身后柱子的联系更加疏离,更加朝着自然主义的趋向发展。而且这个标识远不足以证明这座雕像就出自米开朗琪罗。

最为动人的是作武士打扮的圣狄奥多尔,其身体轴线的转折自然有度,精神面貌勃勃有生气。对比夏特尔教堂这两组作于不同时期的雕像,能够清楚地见到哥特式雕塑的审美趋势及技巧的变化。迟轲在书中介绍,印象派画家莫奈为哥特式的里昂教堂,连续画了二十幅油画;罗丹更为了研究为数众多的教堂建筑,跑遍法国,并写出《法兰西大教堂》的专著。如果说,中世纪一般的文学艺术发展缓慢,有些方面甚至是停滞和倒退的话,但哥特式的教堂,却的确称得起是一项独特的创造。包括后来米开朗琪罗、罗丹等人对历史重大人物的雕塑。