把身体切入雕塑的艺术家

对安东尼·葛姆雷来说，雕塑的真谛在于静默，而我们人类才是运动。这位以雕塑、公共艺术见长的艺术家并不是制造戏剧效果，而是为情感制造一个可以栖息的巢穴。在英国盖茨黑德，在澳大利亚西部，在德国库克斯海港…除了那静默以对的钢铁金属，满载着安东尼·葛姆雷想要给我们传达的：“真正重要的，不是生命的表现形式，而是生命的真实历程。”1994年，安东尼·葛姆雷获得了英国最著名艺术奖项——透纳奖，他的作品一直在探索人体和空间关系，为整个艺术界打开了关于雕塑的新可能性。由艺术家、建筑师、景观设计师、市政工程人员组建一个团队。

他的作品在国际上广泛的展览，不断尝试让艺术空间成为一个可以呈现新的行为、思想和感情的地方。艺术家从自己的身上倒模制成了100件真人大小的铸铁雕塑，每一件身高189，重约650公斤，然后将它们散落在利物浦的克罗斯比海滩长达2英里的范围之内。已经成为利物浦的标志，这100件雕塑日复一日地凝视着爱尔兰海，随着潮水的涨落时隐时现“如果说思想在身体中，身体在衣服中，衣服在房间中，房间在大楼中，大楼在城市中，它们有最终的表层吗？其他人多是业余艺术家、石雕艺术爱好者等。

我们是否可以把身体当成一种催化剂，与活的空间、时间产生共鸣，就像我正站在你面前，试图感觉和连接我们正在共享的时空。“——安东尼·葛姆雷1956年，一个6岁的男孩按照家庭惯例被赶着去午睡——他不情愿地放弃去花园爬树的想法，来到一个原本是旧凉台改造成的小房间。那是一个非常闷热的地方，又热又狭小，而且过于明亮。不知出于什么原因，小男孩躺在床上，告诉自己不能动。他闭上眼睛，突然有种异样的感受，在此刻空间，他有一种关于自身“存在着“的感觉。分再读中国新兴版画和上海当代版画艺术家推介两大板块。

男孩感受到眼皮外面一种深红色的燥热，而且可以闻到有太阳照进来灼热的潮流。这种不舒适让他有一点窒息，但奇怪的是，过了几天、几周、几个月，他所能感知的空间居然变大了。这种就像在内心深处找到了一片大草原，我在自由奔驰着，从控制、被控制变成了一种特别的类似于冥想式的自由。“21岁时，他从剑桥三一学院毕业，想做一些“直接与世界、空间对话的工作“，只身前往土耳其、塞维利亚、阿富汗、巴基斯坦等国家游历了三年，在印度和斯里兰卡学习佛教冥想。中国古代的书画艺术家讲究道法自然。

“大多数时候，我们都希望能够在这个世界上有更多的行动。而我非常感兴趣地想知道当把人体保持静止、没有任何欲望的时候是什么感觉。“安东尼·葛姆雷向往原始之地——空无一物、最好从未有人涉足，通过冥想，他到达了一个主观世界：没有束缚、没有物质、没有任何边界，当然也没有动作意志的黑色空间。他开始以自己的躯体作为原型，并以此为出发点探索躯体与其寓居的空间之间的关系。通过一系列“人像“，他打破了雕塑这一媒介的空间、时间局限性，并将它们从美术馆、画廊领出，引入社会空间，产生人文对话。一些艺术家把白雪公主创造成更加生动的动画形象。

是葛姆雷在2010至2012年开展的艺术项目，艺术家将100件人形雕塑放置在奥地利境内。”也有民众惊艳这些“身体“，纷纷停下脚步拍照留念。无论怎样，这些雕塑都带领人们进入了艺术家的“圈套”——雕塑不再是通过艺术家控制下的有形产物，而是思想的无形结晶。“对于身体的审视，可以让我们重新考虑跟自己肉体之间的关系，以及与其他建筑、空间之间的互动。人体等同把空间凝固了，更自由地进行一些个体的反知，让任何人都能够知道这个人体在一定的时间、姿势的情况下做出一种空间的表达。观众只要走到青年艺术家卜桦的油画前凝神欣赏。

其实每个人体都是一种开放式的邀请，让你想象到在这样的空间当中怎样去进行表达和舒展。“——安东尼·葛姆雷4年半前，上海西岸的龙美术馆刚刚落成时，安东尼·葛姆雷受邀参加了开馆仪式。当时他抬头环顾着这个空间，想象作品在这里展出的情景，“龙美术馆给我的第一感觉就与众不同。这个空间不是由各个地方拼接起来，而感觉像是一个被铸造出来的整体。如果在这里展览，这个空间可以发挥很多的潜力和想象空间。这对我们从事专业雕塑的艺术家来说也是一个全新的文化问题。

毕竟这个空间就像雕塑出来的一样，和我的作品之间有很大联系。“2017年9月8日，安东尼·葛姆雷个展“在静止中移动“于上龙美术馆开幕。他选择用最简单的方式激活这次展览——走入主展厅，首先映入眼帘的是60个真人大小的铸铁人体，这些人形雕塑当中，一部分排列成直线型，从胎儿的姿态到耽于幻想的眺望的姿态，不免让人联想到“人类的进化”。而另外一部分以一种坠落的姿态悬置于空间当中，还有一些散乱地分置于空间各处或者混乱地倒成一堆。蒲添生、蒲浩明父子俩分别以诗人、情深深双双入选法国艺术家沙龙。

它以雕塑化的身体作为物体，以感受为基础，触及到我们内心最深处的希望和恐惧；有趣的是，安东尼·葛姆雷一直坚持以自己的身体翻模雕塑，为了能够制作这些作品，需要保证一到两个小时一直静止不动。“大多数雕塑家选择对抗这种材质本身的硬度，或者突破这些作品本身去思考，我是怎么做的？我什么都没有做，我不过是聚焦于一无所有的状态，还有所有在我自己身上所发生的一些动态，这样的话我就可以保持更加的冷静、聚焦、增强自己的意识。并与艺术家、艺术爱好者探讨艺术背后的文化传承。

“而展场另一“出片“的作品，则需要进入一个黑暗的房间——由若干可以发光的“空间框架”所组成，这些具有相同的空间体积的框架向不同的方向延展，构建了一个三维立体的环境。观众被邀请进入这一虚拟抽象的建筑，将它作为一个客体去观看它，而又作为一个主体与之互动。在这一过程中观众同时获得了心灵上安抚与对抗的双重体验。安东尼·葛姆雷，《呼吸的房间》，25x25毫米铝管、荧光物质H15和塑料插件，2012。安东尼·葛姆雷工作室作为点睛之笔的2017年新作《走廊》是一个15.5米长的通道，其外观模拟了站立着的人体形状。一个曾经被无数名人、艺术家赞叹过的城市。

它既是物体，也是经验，暗示了与人体的内部相关，并提供了一场走进黑暗与未知的旅行。“这个环境使得你想要更多地了解你身体的束缚性，你的身体外更多的可能性，以及你存在的一种体会。“此次还展出了四件悬浮雕塑作品和艺术家从1981至2016年间所创作的大量纸上作品。绘画和版画作品展示了手的亲密动作，身体和其他一些形态的印记，而这些形态源自于材料与直觉的互动。“绘画跟雕塑本身并没有具体的关系，主要是一种沉浸的感觉，进入人体与关于时间、空间的沉浸感。最近的一些绘画作品，都是用凡士林直接贴在纸上留下一些痕迹，这是双维或者是平面肢体的展现。这台钢琴一直由一位法国艺术家保护收藏。

绘画是不断地去感受到我们这个雕塑本身的一种邀约，雕塑也会不断地去为保证绘画本身的持续。“安东尼·葛姆雷，感知材料，看上去就像悬浮于空间中的绘画，每件作品中的物质团都转化为能量，物体转化为场域，使得开放式的身体空间在其核心的位置显露出来看完这次展览也许会明白，对安东尼·葛姆雷而言，雕塑一开始并不蕴含意义，是观众的意念注入使它们变得鲜活。得出结论是雕塑可以涵盖了整个内在而不存在，这种特别的人体放置的深意，是为了暗示每个在他周围的一些环境和内容。以伏羲氏获得法国艺术家沙龙雕塑类银牌奖。

“弗洛伊德曾指出，人的身体状态是一种善变的状态，并不是稳定的。安东尼·葛姆雷对此深有体会，因此沉迷于研究雕塑不同的姿势放置。打个比方，把一件雕塑倒置，会发现它可能有一种病态的、歇斯底里尖叫的状态。不同的姿势所表达出的情绪不尽相同，“我生在天主教徒家庭，虽然在成长时期家人把我打造成天主教徒的样子，不过现在已经不是了。每个人都要审视自己的内在，所展现出的身体姿势具有心理学的暗示。也有装置艺术家制作了一个拖着老虎尾巴、穿着虎皮的毛驴。

我想要调查这种差别，继而释放出雕塑的内在精神以及外延表达。